Expositions

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GALERIE SEGUIER

RONDE

Catherine Danou & Lili Delaroque

du 7 au 20 mars 2024

Catherine Danou

Catherine Danou ne coche pas les cases. En sortir, y rester sont les vastes questions posées par ses grilles inachevées, couvertes d’empreintes, d’écritures, de signes indéchiffrables tracés à la main ou au pinceau. Avec cet index de taches a priori semblables et pourtant différentes, l’ex-juriste renverse l’ordre établi. Le Lokta, son support favori, se range à son avis : fabriqué à l’Est de l’Himalaya, ce papier traditionnel népalais recèle des ficelles qu’elle enlève ou dédouble, modifiant la trajectoire de ces lignes de vie. Nuance et consistance varient selon la saison des pluies : neige ou café, frêle ou armé, le profil, jamais type, guide sa “musique” jouée sans cesse en sourdine. Qu’elle trafique l’envers, blanchisse ou bâtisse l’endroit, Danou va à l’économie, écartant les gestes inutiles pour faire place au hasard. Ainsi de ses “coïncidences”, papiers déchirés assemblés à la hâte selon les accords de bords, les désaccords de tons. Sa gamme “rabattue” n’est pas sans couleurs : rouge et menthe, bleu et jaune forment ça et là des couples désunis dont l’harmonie rappelle les partitions de Paul Klee, de Nicolas de Staël. Ailleurs, l’outrenoir de Soulages infuse ses trames proches des alphabets secrets d’Henri Michaux ou de Pierrette Bloch. Car c’est dans l’intervalle, là où “l’œil circule”, affranchi mais partout sollicité, que l’œuvre parle. Ou plus exactement, “murmure”.

Lili Delaroque

Dans la terre, seules ses mains plongent, mais tout son être se noie. La pêche est souvent bonne. Car Lili Delaroque remonte dans ses filets des perles par milliers. Pâles ou brunes, couleur de sable ou d’algue, ces corolles mates en céramique semblent venues du fond des mers. Chacune a sa forme fragile, ses courbes lisses, comme polies par le ressac, parfaitement imparfaites. Lili Delaroque accueille l’accident : vivante, sa matière première lui tient tête, docile quand elle est zen, rebelle quand son esprit s’égare, que ses gestes se font gauches. Aussi veille-t-elle à garder l’équilibre, cette paix intérieure sans laquelle rien n’arrive. Elle qui voue un culte au Japon, une passion ancienne jamais passée, dit “honorer” l’argile qu’elle regarde monter, sécher, avant de l’enfiler sur des ficelles de chanvre, du métal rouillé, de vieux lins, toutes sortes d’objets trouvés, naturels et pauvres. Ainsi de cette corde nippone rayée de grès beige et bleu cobalt, entortillée au mur comme la mue d’un serpent. Ou de ce Noren bricolé avec des coussins fatigués, “galettes” soufflées à la palette crème reliées les unes aux autres par des “plus”, croix profanes cousues à intervalle régulier. Nasses ou colliers, ces antiquités cultivent l’art de la main, un art insulaire, nourricier, celui des origines. Et invitent au voyage immobile, souvenirs d’un quelconque rite, avant-goûts d’un possible départ

Virginie Huet

Amelie, Maison d'art x De La Espada

Anthony Guerrée

Du 18 janvier au 18 mars

Les objets De La Espada conçus par Anthony Guerrée explorent l’artisanat et la géométrie dans des formes sculpturales audacieuses inspirées par le rêve récurrent du designer de passer une nuit étoilée dans le parc de Joshua Tree à contempler l’astérisme du Triangle d’été. Reflétant l’affinité du designer pour les beaux-arts, le design et l’artisanat, les pièces présentent des lignes artistiques et des techniques artisanales innovantes, tout en offrant confort et fonctionnalité. « Je suis très fière et enthousiaste d’exposer pour la première fois mes œuvres De La Espada dans ma ville natale, Paris. Qui plus est, chez Amelie Maison d’Art, qui est ma galerie d’art préférée à Paris. Organiser une exposition de meubles dans une galerie d’art comme Amelie Maison d’Art revêt une signification profonde, car elle brouille les frontières traditionnelles entre l’art et le design. Chaque meuble devient une œuvre d’art fonctionnelle, fusionnant harmonieusement l’esthétique et l’utilitaire », déclare Anthony Guerrée. « Tout au long de nos 30 années d’activité, l’art a eu une influence croissante sur nous, notamment en ce qui concerne notre perception de la couleur et les quelques endroits où l’art et l’artisanat se sont croisés dans l’histoire de l’art récente, comme dans l’œuvre d’Anni Albers. Nous sommes donc ravis d’exposer dans cette magnifique galerie et de partager l’espace avec des artistes inspirants », ajoute Luis De Oliveira, cofondateur de De La Espada..

HORS LES MURS

Amelie, Maison d'art et Bismut & Bismut

Les artistes d'Amelie au Chalet !

Jusqu'à Mars 2024

Situé au cœur de Megève, Le Chalet marie avec audace l'architecture alpine traditionnelle à l'expression contemporaine artistique. En tant que Galerie-showroom, il incarne une collaboration unique entre plusieurs talents reconnus, chacun maître dans son domaine. Ce lieu novateur offre une immersion où l'art et l'architecture se conjuguent harmonieusement. Les lignes épurées et les matériaux authentiques dialoguent avec la nature environnante, créant une expérience esthétique captivante. Dans cette démarche, Amelie, Maison d'art à proposé au Chalet une diversité artistique exceptionnelle, allant de sculptures contemporaines à des peintures vibrantes de Frédéric Heurlier Cimolai, Bruno Dufourmantelle, Pilar AngeloglouFlorence Grundeler, Anouk Albertini, Thomas Dhellemmes et Eberhard Ross. Le Chalet devient ainsi un lieu où l'art et l'architecture fusionnent pour créer une expérience exceptionnelle, témoignant de la collaboration créative entre le cabinet d'architecture Bismut & Bismut et Amelie, Maison d'art

EXPOSITIONS À VENIR

Francis Limerat

Paris

Du 16 au 29 mai 2024

Oeuvres à 4 mains de nos artistes

Paris

du 6 au 22 juin 2024

Nuria Maria

New York

Juin 2024

Laure Carré & Kees Van de Wal

Paris

Du 19 septembre au 2 octobre 2024

Jean-Philippe Lagouarde

New-York

Septembre 2024

EXPOSITIONS PASSÉES

Anima Mundi

Anima Mundi

Juillet 2022

Nous sommes ravis de vous présenter les oeuvres récentes de Virginie Hucher lors d'une journée portes ouvertes ce samedi 23 Juillet au 18 rue Séguier, 75006 Paris.

Anima Mundi

Derrière des formes, des fonds organiques, travaillés par jus de peinture et frottements. Les aspérités leur donnent un aspect tumultueux et lyrique qui contraste avec les entités qu’ils accueillent. Comme des vagues ou des sables mouvants, ils bougent et se dispersent. Ils pourraient s’évaporer complètement si les motifs de lignes ou de grillages ne les arrimaient au réel de la toile. La grille est frontale et elle est neutre. Chez les théoriciens de la Renaissance, la grille est utilisée comme système pour construire l’image en perspective. Dans un texte célèbre, « Grids », publié en 1979 dans la revue October (n°9), Rosalind Krauss analyse dans le motif de la grille les contradictions entre, d’une part, la forme pure et essentiellement moderne et, de l’autre la rémanence d’une fenêtre symboliste qui, selon elle, « se fait passer pour un traité d’optique ». Elle écrit : « Le pouvoir mythique de la grille tient à ce qu’elle nous persuade que nous sommes sur le terrain du matérialisme (parfois de la science, de la logique) alors qu’il nous fait en même temps pénétrer de plein pied dans le domaine de la croyance. »

Cette association desopposés est intrinsèque au travail de Virginie Hucher. La grille, en l’occurrence, relève autant d’une pure immatérialité que d’un rattachement au textile, à l’artisanat voire à la parole et au féminin. Répétée en all-over, elle allie une logique quasi mathématique et un espace-temps poétique. Aucune volonté, dans cette pratique, de choisir qui, du sacré ou de la matière, aura le dessus sur l’autre.

Au milieu de ces fonds quadrillés, centrées sur la toile comme des talismans, les formes de Virginie Hucher sont pleines et arrondies, tout en étant pénétrées de manière récurrente par des encoches plus ou moins profondes. Ces parties doucement évidées semblent fournir un terreau fertile à toute chose qui pourrait s’y glisser. Une chose aveugle est en train de creuser sa galerie dans ce qui apparaît être des embryons de limons ou de sillons, c’est- à-dire une forme naturelle chantournée propice à nourrir le vivant. Rétractiles comme des cornes d’escargot, ces entités sont dans le même temps tournées vers l’extérieur : elles tendent leurs appendices vers les bords de la toile et se démultiplient en une, deux ou trois, selon un principe de division cellulaire ou de parhélie, phénomène atmosphérique optique dans lequel le soleil devient double ou triple.

L’absence d’échelle ne permet pas de trancher sur la nature de la vision. D’un ordre à la fois microcosmique et macroscopique, il s’agit plutôt ici d’une cosmogonie picturale où la peintre ne tente pas tant de représenter la nature que les phénomènes qui la sous-tendent. « Pour peindre un arbre, deviens cet arbre» dit Virginie Hucher. «Si tu souhaites montrer cette feuille, sens la sève qui la fait grandir » Animisme pictural, pourrait-on dire.

D’autant que les formes se retrouvent identiques à elles-mêmes d’une toile à l’autre : si ce qui les entoure ne cesse de se transformer, elles conservent pour leur part la même « âme », comme si la métempsycose n’était pas le propre des êtres vivants mais pouvait également s’accorder aux formes géométriques. Suivant cette pensée, le dualisme qui oppose le corps et l’esprit, le sacré et le réel, le spirituel et le matériel parcourt autant l’abstraction que la figuration. Les formes abstraites, elles aussi, sont animées et agissantes et, elles aussi, sont constituées de matière autant que de lignes. En témoigne la plastique quasi sculpturale de l’artiste qui tend à troquer son pinceau pour des outils non traditionnels, - des bâtons, des ustensiles ou la main et l’avant-bras - qui grattent la surface picturale et la chargent d’une force prophylactique, c’est-à-dire protectrice. Ces formes abstraites sont douées de vie.

Elora Weill-Engerer Critique d’Art membre de l’AICA Commissaire d’exposition de CEA Mai 2022