Expositions

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GALERIE SEGUIER

BLOSSOM

Gabriele Herzog & Vesna Vrdoljak

Du 12 au 25 mai

Gabriele Herzog

Gabriele Herzog travaille les surfaces de sa toile de telle manière que les éléments de la lumière et de l'obscurité, ou plutôt des espaces négatifs et positifs, deviennent complexes et indéfinis. Ce qui était autrefois positif semble maintenant être négatif. Il existe une tension formidable et délicate entre la balance des espaces positifs et négatifs. Cette tension évoque une réaction d’immédiateté émotionnelle, un sentiment que l’équilibre peut être renversé à tout moment. Les œuvres sont considérées avec prudence. Une fois réalisées, elles dégagent un sentiment de calme tout en restant néanmoins menaçantes.

Ses formes, bien que géométriques, sont organiques et amorphes, et semblent flotter, vibrer, avec une subtilité sereine mais un effet dramatique. Voulant exprimer l'essentiel, Gabriele applique peu de matière sur sa toile et s'applique à des combinaisons de peintures et de pensées qui, à coups de pinceau, maintiennent ses oeuvres dans un équilibre précaire.

Sascha Gianella

Vesna Vrdoljak

Son processus créatif est un mélange de livres vintage et de magazines, de photographies assemblé en couche dans des compositions ambigües.En réarangeant subtilement ses couches dans ses collagesVesna Vrdoljak distort complètement les racines de l’images pour lui donner une toute autre dimension. Imprégnées de beauté et d’évasion, le travail de Vesna joue autant avec le désire de familiarité que celui d’avant-garde. C’est une invitation pour explorer un nouvel atmosphère à travers son travail plutôt que de chercher un sens définitif.‘The desire for familiarity and avant-garde’(le désire pour le familier et l’avant-garde)Je fais des collages pour créer ma propre réalité. Je coupe et colle à la main? Le possibilités limitées de cette méthode de travail m’intéresse. Le touché de principalement de vieille photographies et papiers et une partie importante de mon travail.Avec les découpes les moins sûres, je souhaite réaliser de nouvelles images claires. J’aime créer des collages surréels et indéfinissable pour donner au spectateur la possibilité d’avoir sa propre interprétation. Je préfère affiche run atmosphère ou une émotion plutôt que de définir une histoire; la plus part du temps tintée d’un sentiment de nostalgie attaché au matériaux que j’aime utiliser.

Mes collages sont à propos d’évasion et de beauté. L’esthétique pure de la composition et des couleurs sont des point très satisfaisant pour moi.

 

 

 

HORS LES MURS

Renaud Gilles

Les baleines n'ont pas d'oreilles et j'ai longtemps parlé aux méduses

La peinture de Renaud Gilles est expressive. Elle engage le corps, l’espace, impliquant le mouvement, le rapport au vide. L’artiste travaille sur la toile de lin brute qu’il laisse parfois libre pour conserver une liberté dans le mouvement. La toile se mélange à cette peinture évoquant la gestuelle et l’intensité émotionnelle de l’expressionnisme américain. La série des empreintes est plus cadrée car c’est un élément précis que l’artiste nous invite à regarder, à ressentir. Sa peinture progressive nous emmène ailleurs et nous invite à prendre un grand souffle.

EXPOSITIONS À VENIR

Alban Lanore et Charlotte Bovy

EXPOSITIONS PASSÉES

La beauté du geste

La création japonaise aujourd’hui

Du 9 juin au 9 juillet 2021

partir du 9 juin 2021, au 18 rue séguier à paris, Amelie maison d’art expose une sélection d’oeuvres et objets, qui mettent en lumière la beauté du geste d’artistes et de designers japonais. Cette exposition curatée par Amélie du Chalard et Johanna Colombatti, révèle l’attention portée au détail, notion essentielle de l’artisanat traditionnel japonais. 

C’est ainsi que viennent dialoguer plusieurs typologies de matières, telles que le textile, la paille, le verre, le bois, la céramique et le métal, dévoilant tout autant de savoir-faire d’exception. Chaque oeuvre a été conçue durablement, selon des procédés ancestraux, contribuant à sublimer le quotidien et à perpétuer la tradition de l’artisanat japonais. chaque créateur s’est attelé à révéler la beauté dans chacune de ses productions, d’une authentique virtuosité.

textile

Rieko Koga est une artiste contemporaine japonaise, née à Tokyo, qui vit et travaille actuellement à Paris. Elle exprime son univers à travers des fils et des aiguilles, en travaillant de manière spontanée les textiles. Rieko Koga va orner les murs de plusieurs toiles à l’occasion de l’exposition. Pour Rieko, l’acte de coudre est une prière, et elle croit dans les pouvoirs magiques de ses points de couture. Ses œuvres sont imprégnées de vœux enfouis à l’intérieur des coutures, vœux destinés à tous. Tressage de fibres végétales L’artiste japonaise Arko a créé trois œuvres contemporaines reprenant des techniques ancestrales de tressage de la paille de riz pour réintroduire dans la vie moderne des coutumes en voie de disparition. Elle a été finaliste du prix LOEWE Craft 2018. Tomoko Sakaki, artiste guidée par la spiritualité, bouscule les frontières entre l’art et l’artisanat, entre primitif et futur, pour créer des sculptures de paille contemporaines. Amélie et Johanna ont fait appel à Tomoko pour imaginer trois pièces sur mesure pour l’exposition.

verre

Saburo, studio de création de verrerie d’exception, est incarné par un couple, Mitsuhiko et Yuki Nakata Saburo. Ils présenteront une collection de bols en verre transparent dont les accents de couleurs projettent des ombres extraordinaires lorsqu’ils captent la lumière. Fabriqués à la main au Japon, ces bols sont tous subtilement différents et uniques. Nitta Yoshiko, maître verrier, a façonné pour Amelie Maison d’art 9 pièces de verrerie soufflées à la bouche, gravées de motifs givrés et transparents.

bois

Le studio BCXSY s’est associé à Seihachi Tanaka, maître Tategu japonais, pour créer un triple paravent ajouré, à travers lequel la lumière se diffuse graphiquement. Chaque pièce est fabriquée à la main en Hinoki (cyprès japonais), un bois élégant et agréablement parfumé, très résistant. Une seule pièce nécessite une variété d’outils différents qui sont souvent fabriqués sur mesure par l’artisan pour répondre à une tâche spécifique. Le paravent Join fait partie des collections permanentes du Victoria & Albert Museum et du musée d’art contemporain M+ de Hong Kong. Le studio Zougei, duo d’ébénistes sculpteurs, a imaginé une série de 6 tabourets uniques sculptés à la main dans des bois de recyclage voués à être jetés. C’est justement la beauté de l’imperfection du bois qui séduit l’artisan pour façonner ces objets d’une grande sensibilité.

céramique

Noe Kuremoto, céramiste, imagine une série de 6 vases traditionnels japonais Tsubo, en terre cuite émaillée. «La beauté peut-elle être éternelle ?». Une première série avait été présentée à l’occasion du salon Satellite de Milan en 2008. L’artiste florale, Miyoko Yasumoto, viendra animer les vases de Noe Kuremoto. Kazunori Hamana, qui vit et travaille à Chiba, au Japon, pêcheur et céramiste, présentera deux œuvres en céramique à l’occasion de l’exposition. Autrefois vendeur de vêtements vintage dans le quartier Harajuku de Tokyo, Kazunori Hamana, inspiré par son amour pour l’artisanat et les teintes profondes de la teinture indigo naturelle, crée aujourd’hui de grandes collections de jarres en argile, aux formes naturelles et textures irrégulières. Utilisant de l’argile provenant de la préfecture de Shiga, il affirme n’être que partiellement responsable du résultat de ses tsubo. «L’argile est une chose naturelle ; elle change. Je ne veux pas me battre avec la nature, alors je la suis», explique-t-il. Les pots irréguliers sont construits à partir de bobines et obtiennent leur surface unique grâce aux rayures et aux glaçures. Une fois le processus de cuisson terminé, il préfère laisser son travail à l’extérieur, sur des balcons baignés de soleil ou dans des bosquets de bambous ombragés. Les oeuvres de Kazunori Hamana renouent avec la simplicité et l’humilité d’une tradition vernaculaire de la céramique.

métal

Enfin, le visiteur pourra découvrir une série de vases, imaginée par le duo de designers déjà renommés Boaz Cohen et Sayaka Yamamoto (studio BCXSY). Délicatement fabriqués à la main à partir d’un treillis métallique, les vases Destilled Nature posent la question suivante : «La beauté peut-elle être éternelle ?». Une première série avait été présentée à l’occasion du salon Satellite de Milan en 2008.